La créatrice de tissus, Anya Molyviatis, originaire de Suisse et basée au Texas, a vu son parcours créatif façonné par sa fascination pour les espaces naturels et construits, en particulier leur impact sur la perception humaine. Après avoir étudié l’architecture durable en Californie, elle s’est finalement rendue à Taos, au Nouveau-Mexique. Là-bas, Molyviatis a fait son apprentissage auprès d’un maître tisserand, affinant ses techniques et approfondissant sa recherche sur les matériaux.
Ce fut un moment transformateur, et l’artiste a réalisé que cette poursuite était plus qu’un passe-temps, c’était son appel. « J’ai ressenti que tout s’alignait quand j’ai touché le métier à tisser pour la première fois », déclare Molyviatis. « À travers le tissage, j’ai trouvé un moyen profond d’intensifier les expériences sensorielles en utilisant des textures, des couleurs et des fibres pour transformer les espaces. »
Molyviatis a recherché des fabricants et des ateliers qui correspondaient à sa vision, mais aucun ne résonnait pleinement avec l’approche novatrice que l’artiste avait en tête. En utilisant le tissage comme un outil au potentiel inexploité, elle a fondé son studio éponyme en 2021. Ses œuvres continuent de susciter l’intérêt car elles offrent chacune une qualité tactile que les environnements modernes d’aujourd’hui manquent.
Il y a une multitude de carnets et de blocs-notes éparpillés dans le studio, car Molyviatis note ou dessine des idées dès qu’elles lui viennent. Écrire à la main lui permet de se connecter avec les concepts de manière physique, à l’opposé de se perdre dans une multitude de fichiers informatiques.
Chaque élément faisant partie de l’artisanat raconte des histoires des paysages dont ils proviennent. C’est pourquoi Molyviatis peut souvent être trouvée en plein air. « Quand j’ai besoin de décompresser du travail et de me ressourcer, je me tourne vers la nature – nager et faire de la randonnée sont mes activités préférées », note-t-elle. « Ces expériences sont vitales pour quelqu’un comme moi, qui passe la plupart de la journée dans un studio entouré de métiers à tisser, de fils et de pensées créatives. Le rythme de la nature est ancrant, et il fournit un contraste nécessaire à l’intense concentration que demande le tissage. »
Aujourd’hui, Anya Molyviatis nous rejoint pour le vendredi cinq !
1. Les maisons de thé de Terunobu Fujimori
J’ai été depuis longtemps une admiratrice du travail de Fujimori, en particulier de sa capacité à intégrer des techniques de construction traditionnelles japonaises de manière ludique et imaginative. J’aime comment il invite des gens de tous horizons à l’aider à construire ses maisons de thé, créant une expérience communautaire autour de son architecture. Ce qui me fascine le plus, c’est son approche réfléchie de la manière dont nous vivons un espace. Fujimori conçoit ses maisons de thé pour modifier votre façon habituelle d’entrer, faisant du voyage dans l’espace une partie intégrante de l’expérience. Que ce soit en grimpant une échelle ou en naviguant dans une porte unique, ces changements subtils dans votre façon d’entrer transforment votre relation avec l’espace lui-même. Son travail, que ce soit dans une nature sauvage reculée ou un paysage urbain, évoque toujours un sentiment d’émerveillement, mêlant tradition et qualité onirique. Fujimori insuffle magistralement de la magie dans ses conceptions d’une manière à la fois élégante et accessible, suscitant la curiosité et, surtout, apportant un sourire à tous ceux qui rencontrent son travail. Pour moi, c’est incroyablement puissant.
2. Le laboratoire invisible de Lauren Bowker
Lorsque j’ai commencé à plonger dans les possibilités infinies d’exploration des couleurs et à expérimenter la création de mes propres composés, j’ai découvert le travail du laboratoire invisible de Lauren Bowker, et cela a eu un impact énorme sur moi. Bowker se démarque comme l’une des rares personnes à avoir construit son laboratoire de zéro, conservant la pleine propriété de son travail innovant. Chimiste et designer textile, elle fusionne avec maîtrise ces domaines, repoussant continuellement les limites de ce qui est possible en matière de design, en mettant particulièrement l’accent sur la créativité et la conscience environnementale. Son travail rend l’avenir optimiste et tangible. Je suis profondément inspirée par sa capacité à redéfinir constamment le potentiel de l’innovation textile et colorée. J’aspire à créer un travail qui, comme le sien, amène le futur dans le présent.
3. Jay Nelson
Jay Nelson a été l’un des premiers designers que j’ai rencontrés et qui aborde l’architecture avec autant de beauté et d’authenticité. J’aime son travail – c’est vraiment le sien, et j’admire comment il recycle d’anciennes voitures en utilisant des arbres de séquoias recyclés. J’ai presque eu la chance de faire un stage chez lui, mais je n’ai pas pu me rendre à San Francisco parce que je terminais mes apprentissages en architecture – et c’est là que j’ai découvert le tissage ! Nelson est un vrai artisan, et j’aime son énergie décontractée. Que ce soit ses maisons, ses installations ou ses véhicules d’aventure, on sent son enthousiasme pour la vie dans chaque projet. Son travail éveille un sentiment d’aventure et vous donne envie de pénétrer dans son univers. Lorsqu’un designer peut vous inspirer de cette manière, c’est vraiment puissant. Ses créations ont une élégance poétique qui va au-delà de l’esthétique aventureuse typique, et j’admire aussi comment il collabore avec des marques comme Patagonia.
4. Boîtes lumineuses de Brian Eno
Le travail visionnaire de Brian Eno avec la lumière et le son m’a profondément influencée. Enfant, j’ai été inspirée par ses boîtes lumineuses, ce qui m’a amené à en créer quelques-unes moi-même. J’ai toujours été captivée par sa capacité à animer la couleur ; que ce soit en musique ou en art visuel, les deux incarnent la même énergie vibratoire. Ses peintures ont une qualité musicale, tandis que sa musique porte une qualité picturale. La profonde compréhension d’Eno du design sensoriel inspire continuellement mon processus créatif. Bien que je n’aie pas encore regardé le documentaire Eno de Gary Hustwit, j’anticipe qu’il approfondira ma connexion avec son ethos. L’essence de son travail émerge de la simplicité et de la puissance de la présence – un aspect qui a façonné de manière significative mon parcours artistique alors que je m’efforce de trouver la présence dans mes créations. En fin de compte, il tourne autour du pouvoir de la connexion et des vibrations.
La photo ci-dessus est tirée de l’une de mes expositions préférées mettant en scène ses boîtes lumineuses. En 2014, Eno a créé une série de six pièces de boîtes lumineuses qui explorent la relation entre les compositions musicales et les paysages de couleurs générées de manière transparente par des lumières LED entrelacées. Son œuvre sert d’exploration de la manipulation du temps, ne possédant ni début ni fin ; elle reflète la forme sans avoir besoin de rendu physique. Pour Eno, la peinture de lumière et la conception sonore sont indissociables, nous encourageant à rester immobiles et présents dans le moment. Comme il l’a articulé, « Si une peinture est accrochée à un mur, nous ne sentons pas que nous manquons quelque chose en ne la regardant pas. Pourtant, avec la musique et la vidéo, nous avons toujours l’attente d’une sorte de drame. Ma musique et mes vidéos changent, mais elles changent lentement, de telle sorte que cela n’a pas d’importance si vous en manquez un peu. »
5. Playlab Inc x Merrell « Wander Wheel »
Une exposition qui me captive complètement est le Wander Wheel de Merrell. Connue comme la marque de chaussures de plein air leader dans le monde, Merrell porte sa mission de connecter les gens avec la nature à de nouveaux sommets avec cette installation artistique interactive. Le Wander Wheel, ouvert au public pendant un week-end (27-29 septembre 2024), transforme le Studio 525 à Chelsea en un voyage immersif inspiré par la nature. Créée en collaboration avec PLAYLAB, INC., cette installation permet aux visiteurs d’explorer quatre environnements naturels distincts du monde entier – sans jamais quitter New York.
En tant qu’artiste dont le travail et l’approche conceptuelle du tissage sont ancrés dans la fusion des environnements naturels avec les espaces intérieurs, ce projet résonne profondément en moi. Il est à la fois magnifique et incroyablement astucieux, parlant de l’intersection de la nature et de l’art d’une manière que peu de choses font.
Œuvres de Anya Molyviatis :
Exposition Submerge 2024 \\\ Photo : Courtoisie de SCAD MOA
Exposition Elevate \\\ Photo : Anya Molyviatis
Exposition Elevate \\\ Photo : Anya Molyviatis
Caroline Williamson est rédactrice en chef de Design Milk. Elle est titulaire d’un BFA en photographie de SCAD et peut généralement être trouvée à la recherche de pièces vintage, faisant des mots croisés du New York Times à l’encre ou retravaillant des listes de lecture sur Spotify.